Histoire du théâtre

Histoire du théâtre

1.Historique du théâtre.

Le théâtre est né dans la Grèce
de l’antiquité.
Le théâtre était une cérémonie
religieuse où les hommes libres devaient participer. (culte du dieu
Dionysos, fils de Zeus et de la mortelle Sémélé)
Dithyrambe :fête pour Dionysos dans
les grandes cités grecques. C’est l’ancêtre du théâtre et de la tragédie.
Le Dithyrambe était chanté et
dansé par un chœur de citoyens. Ils évoluaient sur une aire de terre
battue appelée Orchestra, un flûtiste se tenait sur une pierre en son
milieu pour rythmer.

2. Le 6^esiecle av. J.C.

Pisistrate, tyran régnant à Athènes, va
associer au Dithyrambe un groupe de comédiens dirigés par Thespis qui
passait d’un village attique à l’autre pour représenter les héros grecs.
Thespis introduisit la poésie parlée dans le Dithyrambe.
Thespis était payé en nature (bouc ou
chèvre). Thespis était appelé tragikoï (par rapport au bouc qui se dit
"tragos " en grec). Le terme tragédie est né de ce surnom
ou du fait que lorsque Dionysos arriva sur terre il rencontra des gens
vêtus de peau de bouc.

a) Eschyle :

Eschyle est le fondateur de la
tragédie grecque (costume, décor, esprit, structure). Il est noble et est
né à Eleusis en –525 et mort en Sicille en –456.
C’était un homme de terrain, il
a combattu à Marathon et à Salamine.
Il s’est inspiré de la théogonie
(histoire des divinités grecques), du cycle troyen, de la légende des
argonautes, des légendes thébaines et de la cité d’Argos.
Eschyle recommande la modération
et la raison. Il fait des pièces trop pessimistes et le sujet qui revient
souvent est l'orgueil.

b) Sophocle :

Sophocle est né en –496 et mort en –406, c’était un
dramaturge qui introduisit un 3^e acteur sur scène et a augmenté le
nombre de choreute à 15 (avant il n’y avait que 2 acteurs et 12 choreutes).
Il a apporté plus d’importance aux costumes et aux décors.
Il avait un théâtre
psychologique (fragilité du bonheur ; malheur ; souffrance).
Œdipe (énigme du sphinx) et
Antigone ont été les 2 personnages les plus marquant de son théâtre.
Pourquoi ? Antigone (® les lois morales l’emportent sur
les lois humaines) et Œdipe (® condamné pour son orgueil, il
retrouve sa dignité).

c) Euripide :

Euripide est né à Salamine en –480 et mort en –406 en Macédoine. C’est le dramaturge
grec le plus moderne de la Grèce antique (philosophie et sciences)
Son théâtre est caractérisé par
le fait qu’il démonte le sentiment amoureux.
Il met des femmes en scène et va
donner au chœur un rôle indépendant de l’action des pièces, celui-ci va
servir de caisse de résonance aux sentiments exprimés par les acteurs. Il
accorde de l’importance aux jeux de scène, aux costumes et aux décors.
Il n’a pas eut de succès de son
vivant à cause de sa modernité mais il va être repris plus tard.

3. Le théâtre romain.

Dans le courant du 2^e siècle av. J.C. les romains terminent la conquête
de la Grèce. Le théâtre grec va ² contaminer² Rome par les esclaves ramenés de
la Grèce.
Les romains étaient des paysans
et des soldats, à l’inverse des grecs. Les pièces tragiques ne vont donc
pas être appréciées contrairement aux pièces comiques (pour la plèbe).
Plaute (comique imitant les
Grecs) va créer un personnage qui va lui survivre : Miles Gloriosus (le soldat fanfaron).
Au Moyen –Age, Miles Gloriosus va refaire son
apparition sous les traits du personnage du Franc-Archer (militaire recruté n’importe
comment et devenu la risée des Français)
Au 16^e-17^e siècle, Miles Gloriosus prend les
traits de Matamore (le tueur de mots) dans la
Commedia dell’arte (sorte de pièce jouée par des comédiens d’improvisation
italiens venus à Paris)
Mais il a aussi existé un
théâtre romain sérieux qui pouvait entre autre servir de journal.

4. Le théâtre médiéval.

L’Eglise est la seule puissance
à résister aux barbares et elle va s’efforcer de convertir les
envahisseurs (germains) en Gaule. Elle va réussir dans les villes, car les
intellectuels s’y trouvaient, de par le raisonnement de la philosophie
grecque et la discussion. Mais elle ne réussira pas dans les campagnes
(païens® paganus® paysans) de cette manière. Les
prêtres, selon les ordres des autorités ecclésiastiques, vont donc créer
un théâtre religieux pour convertir les paysans par des images fortes. Ces
pièces étaient jouées en latin au début et en français par la suite, on
les appelle "LES JEUX ".

Le théâtre religieux médiéval

Jeux se composent de :

Miracles :Légende dorée :
Vie des saints, les gens y croient
Mystères : Jésus
et évangiles ; lors des grandes fêtes chrétiennes ; Beaucoup de
figurants et de matériel ; Long et ennuyeux® intermèdes Comiques
- Farces :Intermèdes comiques
  et grossiers des Mystères qui ont été
  interdit dans les sanctuaires. Ils ont alors été joués sur les parvis. Le
  décor est divisé en pls chambres (quauche=enfer, droite=paradis)

Les mystères meurent au 16^e siècle alors que les farces deviennent
indépendantes.

Le
16^e est
le siècle de l’humanisme, de la renaissance et de l’antiquité classique.
Les intellectuels redécouvrent le théâtre grec et essaient de le relancer
mais sans succès car les gens n’étaient pas prêts.

5. Le 17^e siècle.

Le 17^e siècle est le siècle du théâtre en
France (triomphe du classicisme) car l’art théâtral représente le mieux la
culture classique (commune à tous) (littérature classique=littérature
sociale). C’est aussi le siècle de l’art oratoire religieux.
Au début du 17^e siècle les acteurs ambulants
venaient souvent à Paris, mais ils étaient mauvais. Il n’existait qu’un
seul théâtre en dur à Paris : L’hôtel de Bourgogne qui appartenait
aux Confrères de la passion.
Les Confrères de la passion furent les propriétaires de L’hôtel de Bourgogne jusqu’en 1599. Cette troupe était
spécialisée en mystères et disposait du monopole des représentations sur
les places de Paris (monopole qui n’était pas respecté). En 1599 les Confrères de la passion vont
vendre le théâtre et les privilèges à la troupe de Velleran-Lecomte qui va se fixer à Paris en 1628. Cette troupe était
spécialisée en farces puis en théâtre sérieux (tragédies).
En 1600, la troupe de Mondory arrive à Paris et se fixe dans le
quartier des Marais (elle deviendra par la suite la troupe des Marais), elle
était spécialisée en farces et en pièces à machines (effets spéciaux). Le
classicisme fait remplacer le théâtre d’aventures par le théâtre
psychologique et donc s’en suit la disparition des effets spéciaux.
En 1658, Molière arrive à Paris et s’installe au
Petit Bourbon et 3 ans plus tard il joue au palais royal où il fusionne
avec des Italiens. A la mort de Molière en 1673, sa troupe fusionne
avec la troupe des Marais. En 1680 Louis XIV officialise la fusion
de la troupe de Molière (italiens et troupe des Marais) avec L’hôtel de
Bourgogne => Comédiens Français. Louis fait cela car le théâtre
est une formidable arme de propagande pour lui. Napoléon s’est aussi servi
du théâtre comme arme de propagande en faisant le décret de Moscou pour
les comédiens français.
Les comédiens au 17^e siècle étaient considérés comme un mal
nécessaire. Les riches les payaient pour animer les soirées mais ils
étaient méprisés, surtout par l’Eglise qui les accusait de se glisser dans
la peau de personnages qu’ils n’étaient pas et de célébrer des passions
mauvaises (ex : Révolte d’une fille contre son père).

a) Caractéristiques du théâtre de l’époque.

Les scènes étaient petites et
éclairées par de chandelles.
Les spectateurs se tenaient dans
le parterre devant la scène et participaient au spectacle.
Les riches spectateurs s
tenaient aux galeries et aux loges et dominaient les acteurs.
Lorsque la troupe recevait un
invité de marque elle lui donnait un siège sur la scène et il n'hésitait
pas à interrompre le jeu des acteurs pour n’importe quels motifs.
Le public avait peu avait peu de
respect pour le jeu des acteurs, il était donc très dur de jouer dans ces
conditions.
Si la troupe avait de l’argent,
les décors et les costumes pouvaient être très beaux mais ils n’étaient
pas réalistes ou historiques car il fallait faire rêver les gens.

b) Crise du théâtre sérieux français.

Dans les
années 1620, le théâtre sérieux français traverse une crise importante sans que le
public s’en rende compte. Pourquoi ?

On avait perdu le sens tragique.
La tragédie à été remplacée par des drames. La "tragédie"
(drame) racontait les aventures d’un roi ou d’un autre grand, le chœur
déplorait la situation, mais tous s’arrangeait. Il faudra attendre Racine
pour que la véritable tragédie renaisse. (® Mauvaise fin : l’homme se
perd et est incapable de se racheter. La pièce s’ouvre sur un moment
crucial, une décision qui va bouleverser la vie du personnage)
Influence de 2 genres venus de
l’étranger : la
Tragi-comédie et la Pastorale (Italie
et Espagne). Ces 2 genres sont voisins mais présentent des
caractéristiques différentes :
- Tragi-comédie : "Tragédie"
  qui se termine bien (contraire au genre). Ce sont des pièces où le
  romanesque est important et où l’auteur prend des libertés avec les
  règles qui régissaient le théâtre grec ancien. L’Académie Française
  voudra les restaurer à partir de 1635.
  L’auteur mettait en scène des accidents (actes de violences) et
  mélangeait les genres.
- Pastorale : Mettait
  en scène des bergers, bergères et leurs amours dans un cadre campagnard.
  Il représentait en fait l’amour comme dans les salons huppés.

Ces 2 genres ont
été les fleurons du baroque et faisaient appel à des trucages jusqu’à l’arrivée
du classicisme. Ils ont familiarisé le public élégant avec la psychologie,
l’étude des mœurs et ont ouvert la voie à la TRAGEDIE CLASSIQUE.

Si théâtre
sérieux français a retrouvé de l’élan et est reparti, c’est grâce à Alexandre Hardy et à l’Académie
Française.

Alexandre Hardy était le premier auteur de métier (d’abord ambulant puis
seulement pour L’hôtel de Bourgogne). Il n’hésitait pas à mettre en scène
des accidents. Ses pièces annonçaient la tragédie classique. Il a supprimé
le chœur, donner plus de mouvement interne, des discours plus réalistes et
apporte de l’importance à l’analyse psychologique. Il a écrit 600 pièces.
L’Académie Française a été crée en 1635 par le cardinal de Richelieu (® prélat, homme d’église mais
aussi politicien). Il voulait faire du roi Louis XIII un roi absolu, et de
la France la plus grande puissance européenne. Pour ce faire, il a mit la
noblesse et les protestants (qui faisaient un état dans l’état) au pas.
Ensuite il se rendit compte qu’il avait fait une unité politique mais
qu’elle n’était pas assez solide. Il créa alors une unité culturelle pour
la "souder" : L’Académie Française. Il ordonna aux
académiciens de faire un dictionnaire, une grammaire et une poésie
françaises (ainsi les Français parleraient, écriraient et penseraient en
français). La poésie française comprend un ensemble de règles destinées
aux acteurs :
- Règle de bienséance et de
  vraisemblance : Ne plus mettre en scène aux
  rôles principaux que des grands de la terre et leurs faire tenir des
  discours et des attitudes adaptés à leurs statuts social (mais cela ne
  reflétait pas la réalité). Ne plus mettre en scène d’accidents (règle
  reprise aux grecs : l’action se déroule ailleurs et un messager vient
  la raconter). Le messager est un personnage important, contrairement au
  théâtre grec où il était un personnage drôle qui devait divertir le
  public. Le récit du messager sera appelé plus tard "le récit
  classique".
- Règle des 3 unités : 1)
  Unité d’action, 2) unité de lieu et 3) unité de temps.

1. Ne jouer que les actions
principales. Un messager viendra raconter les actions secondaires

2. La pièce doit se dérouler
au même endroit, dans le même décor. Plus question de décors multiples ou de
tableaux différents.

3. L’action racontée ne
pouvait excéder 24h (théâtres). Au 18^e s. elle ne pourra excéder le temps de
la représentation.

Ces règles ont
été un bien dans la mesure où les auteurs ont prit des libertés avec elles et
elles n’ont pas été armes de jaloux (descendre les adversaires). Elles ont
apporté une plus grande dignité au théâtre sérieux français, elles lui ont
donné une certaine portée et plus de vraisemblance. Le théâtre d’aventure va
s’effacer devant le théâtre psychologique.

c) Racine

Le théâtre de Racine à été un
théâtre de cruauté. On parle aussi de lui en tant que "Doux
Racine" car il y a mêlé des sentiments.
Racine a fait partie des Jansénistes (® Catholiques qui prétendaient que
la grâce divine n’était réservée qu’à leurs membres, les autres seraient
damnés) qui s’étaient établis à Port-Royal, un couvent de bonnes sœurs.
Les Jansénistes ont formé des intellectuels, dont Racine qui va rester
marqué par leur morale qui influencera sa cruauté.
Sa cruauté est aussi celle de
l’aristocratie lorsqu’elle s’en prenait aux gens qui avaient contesté son
autorité.
Les Jansénistes en ont fait un
refoulé et le théâtre était le seul moyen pour faire exploser ses
passions. Racine ne s’était pas toujours très bien conduit, il a été
accusé d’avoir tué sa femme mais il a été relâché.
A la fin de sa vie il
redeviendra Janséniste.

6. Période Elisabéthaine. (1558-1625) (Elisabeth 1^epuis
Jacques 1^e)

Henri VIII (le père d’Elisabeth) a crée l’anglicanisme
introduisant la réforme en Angleterre. Il était marié à Catherine d’Aragon, une
princesse espagnole mais il était tombé amoureux de Anne Boleyn. Il va
demander au Pape d’annuler son mariage et lorsque celui-ci refusa, il coupa
les ponts avec Rome et se proclama chef de l’Eglise d’Angleterre
(anglicanisme). Il tua ensuite sa femme et son chancelier, Thomas Moore qui s’était rebellé.
Lorsque Elisabeth arrive au
pouvoir en 1558, elle
va imiter son père en tout et va faire de l’anglicanisme la religion
d’état (Acte de suprématie 1559 ;
Bill des 39 articles 1563).
Elisabeth est très énergique,
mais au début de son règne elle va avoir des opposants :
- Les puritains : secte
  protestante prenant les écritures au pied de la lettre. Elle va les
  persécuter et ils vont s’exiler en Amérique.
- Les catholiques : dirigés
  par Marie Stuart
  (cousine d’Elisabeth). Elle avait été reine d’Ecosse mais avait été
  contrainte à l’exil près d’Elisabeth contre laquelle elle n’avait cessé
  de comploter (au dire d’Elisabeth). C’est pour cette raison qu’Elisabeth
  va la faire décapiter en 1587,
  ce qui provoquera la guerre avec Philippe
  II d’Espagne qui était
  très catholique ® invincible armada 1588 : Guerre navale dans laquelle les Espagnols
  étaient opposés aux corsaires anglais et aux flamants. L’Espagne va se
  faire lamentablement écraser puisque rendue très affaiblie par une
  tempête en mer. Celle-ci ne se remettra jamais de ses pertes
  contrairement à l’Angleterre qui deviendra la 1^er puissance navale et se lancera
  dans l’expansion territoriale. (Compagnie des Indes orientales1600)

Théâtre Elisabéthain.

A l’époque
d’Elisabeth, le théâtre était très prisé (17 théâtres à Londres pour 1 à
Paris). Mais il n’y avait pas de costumes ni de décors, les rôles féminins étaient
tenus par des jeunes gens et les spectateurs étaient de divers types et
mélangés. Le public anglais étant plus sauvage et violent que les Français, il
avait opté pour le drame car, étant moins cultivé, il n’aimait pas les
tragédies.

Le drame anglais
mélangeait la commedia italienne et espagnole, les mystères médiévaux et la
comédie-tragique antique. Ce drame variait très fort entre le mélodrame noir et
violent, la comédie obscène et la poésie relevée, de plus il était antipapiste
et antisémite (nationaliste).

A la fin du
règne d’Elisabeth I et au
début de celui de Jacques I,
les troubles politiques et la perte de prestige du souverain influencera le
théâtre. Il en ira de même lorsque les nobles s’affronteront entre eux et aussi
contre le roi.

7. William Shakespeare.

William Shakespeare est né à
Stratford Upon Avon en 1564.
Fils d’un riche négociant qui avait joué un rôle important dans la vie de
la cité car il était bailli (officier de justice). Mais lorsque celui-ci a
des ennuis et perd sa fortune il doit retirer son jeune fils de l’école.
William deviendra autodidacte.
En 1588 (invincible armada) Shakespeare
est à Londres et y fait son apprentissage dans le théâtre (emplois
subalternes). Il apprend très vite et 4 ans plus tard, en 1592 il est réputé comme
acteur-auteur.
Mais en 1592 les théâtres sont fermés à cause
de la peste. Il quitte alors Londres pour y revenir 2 ans plus tard et il y restera jusqu’en 1613. Là commencera
véritablement sa carrière d’acteur (®succès), d’auteur et d’actionnaire dans la compagnie
théâtrale "Lords
chamberlain’s men".
A la mort d’Elisabeth, cette
compagnie change son nom en "King ‘s
men" et elle
bénéficiera de la protection du roi. Cette troupe donnait ses
représentations théâtrales dans le
théâtre du Globe(appartenant à Shakespeare) qui était peu pratique car
il était à ciel ouvert. Elle donnait aussi des représentations dans le
théâtre couvert des "Blackfriars" et à la cour. Les tournées à la
campagne étaient difficiles avec les différentes épidémies touchant
Londres.
En 1613 il quitte Londres et retourne
dans sa ville natale, il y prend sa retraite et y mourra en 1616.
Shakespeare était un homme
mystérieux et secret. On sait qu’il était attaché à sa famille et à ses
amis, et qu’il à eut une retraite heureuse grâce à ses bons placements.
Certaines personnes l’accusent de ne pas avoir écrit ses pièces lui-même,
mais ces accusations ont été démolies.
Son œuvre s’articule en 3
périodes :
- 1590-1601 : Epoque
  de l’enthousiasme, de la jeunesse et des emportements. Comédies légères
  et débridées qui plaisaient au public élisabéthain (® drames
  historiques pour les nationalistes).
- 1601-1608 : Epoque des comédies amères et
  des grandes tragédies. Ce changement de registre est dû à la situation
  politique médiocre, au changement de goût du public et à des problèmes
  personnels.
- 1608-1613 : Période
  de sérénité et de sérieux.
Pourquoi continue-t-on de le
représenter sur scène ?
- Son théâtre est varié et
  éclectique. (vulgaire, précieux, nationaliste,…)
- Ses pièces ont un rythme, un
  mouvement unique : les pièces ont l’air imparfaites à la lecture mais
  parfaites lorsqu’elles sont jouées par de bon acteurs.
- Ses personnages sont
  intemporels.

8. Le songe d’une nuit d’été. (1594)

a) Pourquoi Shakespeare a-t-il écrit cette pièce ?

Plusieurs
hypothèses ont été émises.

Pour animer le mariage de grands
seigneurs.
Une commande de la cour pour
Elisabeth (voir p75, 2^e réplique
d’Oberon).

De plus,
semblerait que se soit une pièce à tendance philosophique qui parle des bêtises
du roi de l’amour :
Cupidon. Mais on ne sait pas pourquoi elle a été écrite.

b) Quand ?

Dans la pièce on
laisse entendre que le monde est bouleversé car les hommes doivent faire face à
des temps orageux. En 1594, le temps en Angleterre était affreux
et de par cela le pays était touché par diverses épidémies et la famine, et
était au bord de la crise économique.

c) Thèmes ?

Mariage de Thésée et d’Hippolyta
et les avatars de leurs courtisans.

Thème repris à
l’antiquité, adaptation du mythe de Thésée (vainqueur du Minotaure). Mais
Shakespeare a tout à fait changé les personnages. Le mythe du Minotaure repose
sur une vérité : Minos, roi de la cité d’Athènes voulait que les athlètes
participe à une sorte de corrida. Il fallait saisir les cornes du taureau et
sauter au-dessus de celui-ci. Beaucoup d’étrangers se faisaient tuer car ils
n’avaient pas l’habitude.

Répétitions et représentation de
la pièce ridicule des Athéniens offerte au roi.

En Angleterre,
on organisait des spectacles joués par des petites gens qui étaient aussi
ridicules et lamentables que celui présent dans la pièce. Ces pièces étaient
appelées les "Whitson
plays"

Querelle d’Oberon et de Titania
ou interviennent à intervalles réguliers des humains par la faute de Puck.

Oberon
représente le roi Jacques VI
d’Ecosse (il deviendra Jacques I d’Angleterre) en querelle constante avec la reine Elisabeth
représentée par Titania. Ce thème a servit de prétexte à certains critiques
pour faire du Songe une pièce politique. Le thème de la pièce des artisans est
aussi politique : Navette en âne = le roi Jacques rêvant à la couronne
d’Angleterre lorsque Titania lui remet la couronne de fleur.

La scène du lion
a aussi un lien dans la réalité : A l’occasion du baptême de son fils, le
roi Jacques voulut montrer un lion à sa cour, mais il abandonna cette idée au
dernier moment de peur d’effrayer ses courtisans.

Tout
ceci sont des thèses politiques.

D) Pièce ésotérique ? (puissances dirigeant le monde)

On a reproché à
Shakespeare de ne pas déterminer les caractères de ses personnages, en fait il
n’a pas fait d’analyse psychologique car la pièce est ésotérique.

A l’époque de
Shakespeare, la pensée européenne se basait sur celle du médecin Paracelse. Pour lui l’homme
était l’esclave de ses passions et s’il voulait retrouver le salut il devait
s’en débarrasser. Pour ce faire, il lui fallait redevenir naïf et innocent
comme un petit enfant en faisant un travail de métamorphose intérieure, l’homme
devait passer une série d’épreuve et mener une vie austère pour revenir aux
divinités d’origines. Paracelse avait acquis une réputation étrange : ses
collègues disaient qu’il "était le plus fou parmi les médecins et le
plus médecin parmi les fous"

Dans le théâtre
élisabéthain, le thème qui revient le plus souvent, ce sont les erreurs de
Cupidon. C’est justement cet amour qui est la passion la plus dangereuse pour
l’homme (d’après Paracelse), il doit donc s’en débarrasser et ne s’occuper que
de l’amour divin.

De plus, les
intellectuels croyaient en la magie et au fait que l’homme était contrôlé par
des puissances à cause de ses passions. Mais si l’homme pouvait se débarrasser de
celle-ci, il pouvait lutter contre ces puissances (magie noire ou blanche). Le
roi Jacques VI d’Ecosse affirmait dans un livre que la magie blanche et noire
relevaient de Satan et donc, les gens qui la pratiquaient avaient soi-disant
passé un pacte avec le Diable. A Londres R.
Scott disait tout le
contraire, pour lui tout cela n’était qu’une invention des catholiques pour
cacher le vide de leur religion. Il reprocha aussi aux Inquisiteurs de faire
avouer ce qu’ils voulaient par la torture aux accusés (gens misérables et
ignorant). R. Scott dira aussi que certains athées prétendent être capable
d’influer sur les esprits, ce qui va le mettre en danger car parler des
sciences occultes était très mal vu.

Shakespeare
quant à lui n’était pas du tout d’accord avec Paracelse. Il pensait que l’amour
est inscrit dans la nature humaine et que l’homme ne pourra jamais s’en
débarrasser. L’amour que Shakespeare présente est un amour purifié et lavé de
toute bestialité (® la voie du milieu). Cet
amour est un premier pas vers le progrès que prône les philosophes de l’époque.
Mais même si Shakespeare croyait en le fait que le monde était dirigé par des
puissances, il semblerait qu’il ne se soit pas inspiré des sciences occultes
mais des folklores anglais et breton qui sont très riches.

e) Elfes et fées ?

Les elfes et les fées
appartiennent au monde des esprits, mais il ne faut pas les confondre avec
les fantômes et les larves qui sont des errants (Lorsque Titania se
présente à Navette, elle lui dit qu’elle est un esprit aérien).
Il existe une gradation bien
précise chez ces esprits.
Ils sont surtout actifs la nuit.
Ils sont immortels, immatériels
(ils traversent tous les éléments) et se déplacent à la vitesse de la
pensée.
Ils sont les ennemis des
chauves-souris et des chenilles, et peuvent aider ou jouer des tours aux
humains (comme le fait Puck).
Les princes des fées régissent
le rythme des saisons et peuvent ainsi favoriser les hommes.
Les elfes commettent parfois des
actes mauvais (rapt d’enfant,…)

9. La nouvelle.

Genre littéraire proche du roman
mais elle s’en distingue par sa simplicité, sa sobriété et sa brièveté. Ce
genre littéraire est né en Italie dans le courant du M.A. En ces temps-là, on appelait une
" novella " un récit bref, écrit en prose, destiné à
faire rire et exempt de tout élément fantastique ou merveilleux.

Vers le 15^e siècle, la nouvelle arrive en
France où elle sera longtemps confondue avec les fabliaux (tradition
locale). Les fabliaux étaient brefs, destiné à faire rire et se moquaient
des femmes, de l’aristocratie et/ou du bas clergé.

Au 17^e siècle, suite à l’imitation
de modèles italiens et espagnols, les nouvelles vont se faire de plus en
plus nombreuses et seront très diverses. S’il est facile de distinguer la
nouvelle du roman, il est plus dur de la distinguer du conte avec lequel
elle a souvent été confondue (ex : Lafontaine).
Au 19^e siècle, la nouvelle a été
clairement définie et est devenue un genre littéraire bien particulier
avec ses propres règles. Cela est dû à Prospère
Mérimmé. Cet auteur a commencé par le romantisme et s’est en suite
tourné vers le réalisme. Pour Mérimmé, le réalisme c’est : lutter
contre les excès du romantisme et photographier la réalité. Le réaliste ne
doit jamais montrer ses sentiments, il ne doit que rendre compte de la nature
qu’il doit considérer comme le matériel de labo. Cette position étant très
dure à tenir, au bout d’une vingtaine d’années, certains réalistes ont
commencé à ne montrer que le côté noir de la vie.
Notre 20^e siècle peut-être considéré comme le
siècle des nouvelles. On en produit plus que de roman car c’est plus
facile à lire (homme= moderne pressé)

10. Le schéma narratif.

Todorov (20^e s.)
s’est penché sur le problème du récit de fiction et est arrivé à la conclusion
que tout texte a un même squelette et est construit à partir d’un même canevas.
Pour lui, n’importe quel récit de fiction est constitué comme suit :

1. Situation Initiale : équilibre, harmonie. On
dresse le décor, présente les personnages et au bout on entrevoit parfois
l’événement qui va bouleverser cet équilibre.

2. Force de
Transformation : un événement se produit à l’extérieur ou à l’intérieur d’un
personnage et il rompt l’équilibre de la S.I.

3. Dynamique d’Action : ensemble de tous les
éléments que l’auteur fait intervenir dans son récit pour faire disparaître les
effets négatifs de la F.T.

4. Force de Résolution : ramène l’équilibre et
amène la S.F.

5. Situation Finale : rétablissement de
l’harmonie et de l’équilibre. La S.F. n’est pas totalement identique à la S.I.

Dans les longs
récits, il est souvent possible de diviser ceux-ci en plusieurs séquences et on
retrouvera dans ces séquences les mêmes schémas mais la S.F. sera provisoire et
servira de S.I. à la séquence suivante.

11. Narrateur.

Attention à la différence entre
auteur et scripteur.

Auteur : Personne historique,
qui s’inscrit dans un cadre spatio-temporel. On peut se renseigner sur sa
biographie et sur sa genèse (recueil de ce qu’il a écrit). C’est celui qui donne les idées.

Scripteur : Personne qui prend la
plume. L’auteur quand il écrit. Pour se renseigner sur lui, il faut faire appel
à d’autres méthodes (artiste).

Il se peut que
ces 2 termes renvoient à 2 personnes différentes (l’auteur veut écrire ses
mémoires mais ne sait pas le faire : il fait appel un auteur qui sache
mettre ses idées en forme, le nègre ou le scripteur).

Le narrateur est celui qui
raconte le contenu de la fiction. D’après sa position p/r au contenu, il
en aura une vision limitée ou non. Sa vision est illimitée s’il est
extérieur, lorsqu’il se confond avec le scripteur. A ce moment, il domine
l’histoire car il connaît les personnages, peut-être partout à la fois
(don d’ubiquité) et sait tout (surtout dans les grands romans
psychologiques du 19^e siècle).=>narrateur
omniscient.
Le narrateur aura une vision
limitée lorsqu’il se confond avec un personnage, il y a 3
possibilités :
- Narrateur agent : 1pps, on ne sait que ce qu’il
  sait et on suit son destin. C’est le personnage
  principal.
- Narrateur
  "Il-vous" : 1) 3pps, il prend ses distances avec ce qu’il dit
  pour être plus impartial, avoir plus de recul et être plus neutre. 2)
  2ppl, les lecteurs sont attirés dans le récit et on leur demande de
  rendre parti. (tous les deux sont le personnage
  principal)
- Narrateur témoin : 1pps, il raconte les
  aventures du personnage principal et on ne sait pas plus que ce qu’il
  dit. C’est un personnage
  secondaire.
Il existe un autre narrateur à
la 3pps, il est extérieur au récit mais y intervient de façon ponctuelle

12. La caractérisation du personnage de nouvelle et de roman.

Caractériser un personnage,
c’est lui donner vie. Lorsqu’un écrivain conçoit un personnage, ce n’est
d’abord qu’une vague silhouette à laquelle il doit donner une constance.
Pour ce faire, il lui attribue certaines caractéristiques morales et
physiques pour le faire ressembler au personnage vivant qu’il deviendra.
Que fait l’auteur pour créer son
personnage ?
- Il lui donne un nom, prénom,
  titre, surnom, … (fréquemment révélateur du caractère, du métier ou d’un
  autre attribut de celui-ci et basé sur un jeu de mot).
- Il donne des renseignements sur
  son âge. Soit il est jeune et inexpérimenté, soit il est vieux et plus au
  fait des choses de la vie. Cela permet de le rendre consistant.
- Il lui fournit un passé,
  l’enracine dans une tradition, une famille.
- Il lui donne des traits
  physiques et moraux (aux yeux des autres personnages et donc du lecteur)
- Il lui donne diverses
  particularités : infirmités, tics, objets fétiches, …)
- Il lui impose un langage, une
  façon de parler. (révélateur de son statut social)
- Il lui fournit un cadre de vie.
On parle de caractérisation
directe lorsque les renseignements dont le lecteur dispose à propos du
personnage ont été transmis par la parole du narrateur, d’un autre
personnage ou du personnage en question. (=> description)
On parle de caractérisation
indirecte lorsque j’ai déduit ces renseignements d’un acte, d’un discours
ou d’une attitude du personnage.
Tout ceci permet de voir le
personnage en fonction de ce qu’il est dans le récit. Mais beaucoup de
critiques disent qu’il vaut mieux voir le personnage en fonction de ce
qu’il fait. Grémas,
qui est un de ceux-ci, a crée le schéma actantiel à cet effet :

Destinateur. Destinataire

Héros (sujet). O.M.

Adjuvants. Opposants

Destinateur : personnage qui constate
un manque.
Destinataire : personnage qui souffre
du manque ou qui risque d’en souffrir.
Pour combler ce manque, le
destinateur mandate un héros (sujet) qui se met en quête de l’objet
magique qu’il remettra directement au destinataire (peut se faire par
l’intermédiaire du destinataire).
Le héros pourra être aidé par
des adjuvants mais il a contre lui les opposants.

13. Corneille.

a) Biographie

Corneille est né à Rouen
(Normandie) en 1606 dans une famille bourgeoise qui
avait réussi à acheter des charges administratives. Le père de Corneille
va lui faire faire ses humanités chez les jésuitesqui vont fort le
marquer (on retrouve des traces de l’enseignement des prêtres dans son
théâtre). Ensuite il fait des études de droits mais ayant des problèmes
d’élocution et de voix, il évitera les affaires où il doit trop s’exprimer.
Il va vit préférer la poésie et le théâtre.
Sa première comédie est
"Hélite" (inspirée d’une histoire amoureuse personnelle).
En 1633, Corneille entre au
service de Richelieu pour faire partie de "la société des 5
auteurs" qui étaient les nègres de Richelieu. Ensuite, Corneille
le quitte et Richelieu devient un ennemi
noble.
En 1637, Corneille fait jouer
Le Cid pour la première fois et rencontre immédiatement un immense succès,
grâce auquel il sera surnommé "le Shakespeare français".
Ce succès lui vaut l’inimité de ses confrères qui vont tenter de l’abattre
auprès de Richelieu et des académiciens. Comment ?
- Règle de bienséance : Le combat entre Don Diegue et
  Don Gormas.
- Règle des 3 unités, lieu : La pièce se déroule dans des
  endroits différents de la ville.
- Politique : Corneille met en scène des
  Espagnols alors que les Français sont en guerre avec eux.
- Corneille s’en tire sans
  problèmes car les académiciens refusent de le poursuivre, tout comme
  Richelieu (= ennemi noble).
En 1640, il écrit
"Horace" et "Cinna" qui sont 2 tragédies classiques
(le théâtre baroque est un théâtre d’action avec des effets spéciaux alors
que le théâtre classique est régulier, il se plie aux règles de
l’Académie)
En 1647, Corneille fait jouer
"Héraclius" et entre à l’Académie.
En 1651, l’une de ses pièces
est un échec. Etant timide, il va paniquer et va quitter Paris pour Rouen afin de méditer. Là
il traduit en vers français l’œuvre d’un mystique Flamand
"L’imitation de Jésus-Christ" de Thomas A. Kempis, écrite en
latin. Ce n’est pas la première fois qu’il s’occupe d’un sujet traitant de
la foi. Avec Polyeucte en 1642, il avait déjà abordé le sujet mais cela
n’avait pas rencontré un grand succès.
Pendant son exil, il continue
néanmoins à penser au théâtre. Il écrit 3
grands discours sur le
poème dramatique (tragédie) : De l’utilité et des parties du poème
dramatique ; De la tragédie ; Des règles de la bienséance. Et
une autocritique sur ses pièces. Tout cela paraîtra en 1660.
En 1659, Corneille est
rappelé à Paris par Fouquet afin de reprendre la plume. Il aura du mal car les goûts du public ont changé,
le public a de l’homme une conception de l’homme beaucoup plus noire
>< avec la conception du cavalier généreux dans Le Cid. Les pièces
de Corneille ne vont pas êtres appréciées et il va se planter ><
Racine qui est l’étoile montante de l’époque. Les ennemis de Racine vont
se servir de Corneille contre celui-ci en disant à Corneille d’écrire sur
les mêmes sujets que lui.
Les dernières années de
Corneille seront très dures :
- En 1674, son fils meure et
  il connaît des ennuis financiers.
- En 1676, le roi fait rejouer
  le succès de Corneille mais sans grands succès.
- En 1684, il meurt oublié de
  tous.

b) Notes supplémentaires et Analyses.

Certains prétendent que
Corneille a terminer sa carrière comme nègre de Molière mais rien ne le
prouve.
Il n’existe aucun rapport entre ses héros et lui (courage
et témérité >< timidité et bourgeoisie), mais sa vie recoupe parfois ses œuvres (enseignement
des jésuites ; argumentation et discussion ; histoires d’amour
personnelles ; amour pour son frère).
Corneille a essayer tous les
genres théâtraux et a rénové le théâtre comique de son temps. Il est donc
considéré comme le
rénovateur du théâtre comique au 17^e siècle. Pourquoi ?
- Il ne faisait pas rire en ayant
  recours à des clowns ou à des personnages burlesques mais grâce à des
  paroles d’esprit dites par des gens des gens de bonne société.
- Il a été le premier à mettre en
  place des décors réalistes >< aux décors fantaisistes habituels de
  l’époque.
Corneille est aussi connu pour
une situation théâtrale : Le
conflit cornélien. Le héros est plongé dans une situation de laquelle
il ne peut se sortir sans y laisser des plumes.
Corneille a été le premier à
introduire des stances dans son théâtre. Ce sont des
groupes de vers qui se suffissent à eux-mêmes, à sens complet (monologues)
récités par un personnage et entrecoupés de temps de repos (intensité
dramatique, permet de reprendre son souffle). Voir scène 6, acte I.
En 1637, la première du Cid
rencontre un grand succès. On croyait que c’était la première grande
tragédie classique française mais en fait c’est plus qu’une tragédie
classique, c’est un
chef-d’œuvre jeune, plein de fougue et d’enthousiasme. Grâce à son
héros hérité de l’histoire espagnole qui va devenir un personnage fétiche,
le Cavalier Généreux (qui est prompt à défendre sonhonneur).
Corneille va essayer de le replacer dans toutes ses pièces.
Pourquoi Corneille a-t-il
cherché son héros dans l’histoire espagnole ?
- Il existait dans le Rouen du 17^e siècle une communauté espagnole
  avec laquelle il avait des liens
  de sang. Il avait donc des contacts avec une famille : les
  Chalom.
- Ce n’était pas la première fois
  qu’il reprenait un personnage à l’histoire espagnole : Matamore (pas le même que celui déjà vu)
  dans des Rodomontades (poèmes épiques et comiques).
- Peu avant le Cid, il avait aimé
  une tragi-comédie espagnole écrite par Guillen
  de Castro en
  1618 : "Les enfances du Cid". Celui-ci avait aussi
  écrit "les exploits du Cid".
Le personnage central du Cid, Rodrigue est un personnage historique.
C’était un seigneur castillan (entre 1040 et 1099) qui avait été Vassal
des 2 rois de Castille : Don Sanche et Alphonse VI. Alphonse VI,
jaloux de sa gloire va le déposséder de ses biens et l’exiler. Rodrigue
deviendra alors chef mercenaire avec d’autres hommes et se mettre au
service du plus offrant, notamment Moctadie, roi Maure qui lui demande de
s’attaquer à la Castille. Cinq ans avant sa mort, il s’empare du royaume
Maure de Valence mais après son décès sa femme, Chimène Diaz, ramène ses
restes en terre chrétienne et Valence retombe aux mains des musulmans.
Rodrigue deviendra un modèle pour les chevalier espagnols qui oublieront
ses méfaits et le retiendront comme un bon chrétien. On raconte entre
autre qu’il aurait épouser une femme dont il aurait tué le père.
Corneille n’a jamais nié qu’il
s’était inspiré de "l’enfance du Cid", mais il adopte la pièce
comme il lui plaît et suivant les normes de l’Académie :
- Il fait disparaître certains
  personnages.
- Il raccourcit l’action de 18
  mois à 24h.
- Il cantonne toutes les actions
  à Séville.

14. Le Cid

En règle
générale, la 1^erescène
d’une tragédie (présentation) ouvre directement sur le thème central avec la
présentation de quelques personnages. Avec Corneille, Le choix des lieux n’est
jamais innocent. Ex : scène 1 : Appartements de Chimène =>
confidences entre femmes, chaque fois qu’un homme y fait intrusion, il
déclenche des cris de colères. Les confidences entre hommes s’échangent au
palais royal ou dans les appartements du comte.

Acte I

Scène 1

1.
Ceci est une tragi-comédie mais la 1^e scène rappelle une tragédie classique.
Pourquoi ?

Le spectateur prend le train en
marche.
Chimène pressent la crise qui va
la frapper.
Choix du roi qui va tout
changer.

2. Pourquoi Chimène est-elle
la jeune fille du début du 17^e siècle ?

Elle est soumise à l’autorité
paternelle. Elle aime Rodrigue mais elle attend l’ordre de son père pour
l’épouser.

3.
Que savons-nous du père de Chimène, de son caractère ?

Il est imbu de lui-même et
égoïste car il se choisit un gendre (qui pourra l’immortaliser) et non un
mari pour sa fille.

Scène 2

Cette scène nous fait pénétrer
dans les appartements de l’infante (chambre de dame, donc confidences).
L’infante est le seul personnage
vraiment tragique (seul pour laquelle la pièce se termine mal) et humain
(ce n’est pas une héroïne, elle aime et elle souffre ; Elle ne
s’ouvre qu’a sa gouvernante ; Elle ne va pas hésiter à tromper
Chimène pour son amour) de la pièce.
Le vocabulaire n’a pas le même
sens qu’aujourd’hui (voir lexique bas de page).

1.
Prouver que l’infante vit un conflit cornélien.

Elle est amoureuse de Rodrigue
mais celui-ci est d’une situation inférieure. Pour mettre fin à son amour
pour lui, elle le place dans les bras de Chimène mais elle reste amoureuse
de lui. Elle est coincée
entre son sens de
l’honneur et son amour impossible.

2.
Quel est la fonction remplie par les personnages de
gouvernantes ?

Ce sont des confidentes et des
conseillères.
Elles représentent l’opinion
publique.
Elles servent de caisse de
résonance aux sentiments de leur maître.

3.
Montrer que l’infante parle de l’amour comme dans les salons
littéraires de l’époque ? (on considérait l’amour comme une puissance
dévastatrice qui possédait la personne qui y avait cédé)

Elle utilise un vocabulaire
militaire (puissance dévastatrice).

Scène 3

Force de transformation, crise : les deux pères se
disputent car le roi à choisit Don Diègue pour veiller à l’éducation de
son fils.
Style : Stichomythie (succession
de répliques brèves)
Pièce politique : absolutisme royal :
Don Gormas s’en prend au roi mais Don Diègue lui rappelle qu’il faut se
plier aux ordres du roi.

Scène 4

Scène de transition, technique : elle permet à Don Gormas
de quitter le plateau et à Don Diègue d’y monter sans se rencontrer.
Le baroque ne connaît pas les
scènes ou les actes, il utilise des plateaux avec des décors à chaque fois
différents. Le classique change les scènes lorsqu’il y a un changement de
personnage et les actes lorsqu’il y a un changement dans l’intrigue.
Ce n’est pas parce que c’est une
scène de transition qu’elle n’est pas importante. Elle est aussi
épique : Don Diègue parle à son épée.

Scène 5

1.
Comment Don Diègue s’y prend-il pour convaincre son
fils ?

Il le met en colère
(" as-tu du cœur ")
Il lui dit qu’il doit venger une
insulte qui a atteint toute la famille (" soufflet ")
Il vante son ennemi pour lui
faire miroiter une grande victoire
Il lui dit son nom (Rodrigue est
piégé)
Il lui fait un discours sur l’honneur

2.
Don Diègue est-il un père valable ?

Non car il pense d’abord à lui
et à l’honneur de la famille avant de penser à
son fils. Il envoie Rodrigue à une mort certaine mais pour l’époque, son
attitude est normale. On ne faisait des enfants que pour se rendre
immortel et pour qu’ils rendent honneur.

Scène 6

Stances de Rodrigue : il se demande ce qu’il
doit faire.

1.
Quels sont les données du conflit cornélien de
Rodrigue ?

En tant que fils de Don Diègue,
il doit tuer l’offenseur mais celui-ci est le père de sa petite amie. S’il
le tue, elle ne l’aimera plus car c’est son père et s’il ne le tue pas,
elle ne l’aimera plus non plus car il n’aura plus d’honneur.

2.
Comment tente-t-il de s’en sortir ?

Il veut d’abord se laisser tuer
par Don Gormas mais il se rend compte qu’il perdrait Chimène. Il décide
alors de sauver l’honneur et
de voir venir.

3. Comment l’auteur rend-il
compte des hésitations de son héros au travers de la forme de son texte ?

Il met en place beaucoup
d’oppositions et d’antithèses.

4.
Pourquoi Rodrigue est-il un cavalier généreux ?

Il sacrifie son bonheur au profit de l’honneur.
Corneille laisse passer ses
sentiments au travers de son personnage : il le fait plaider à sa
place.

Acte II

Scène 1

La scène se passe au palais
royal => confidences entre hommes où tout le monde peut entendre.
Scène politique : Le roi est absolu et on
doit se soumettre à ses volontés mais le comte refuse de se soumettre à
l’absolutisme bien qu’il donnerait sa vie pour le roi. Corneille est
partisan de cet absolutisme.

Scène 2

La scène se passe sur la place
publique : confidences entre hommes qui doivent rester secrètes (" parlons bas ")
Scène du défi
La scène comporte beaucoup de
proverbes : partie du succès du Cid.

Scène 3

Chimène vient chercher du
réconfort auprès de l’infante. Celle-ci lui propose de convoquer Rodrigue
et de le garder prisonnier. Elle fait surtout cela pour conquérir le cœur
de Rodrigue.

Scène 4

Scène technique, de transition : elle permet à Chimène de
quitter le plateau.

Scène 5

Scène de possession : l’infante est prise par
sa possession amoureuse et diabolique.

1. Quels sont les différents
sentiments par lesquels passe l’infante ?

Elle est partagée entre l’amant
et Chimène, entre
l’honneur et la passion (1^e réplique).
L’honneur s’impose mais pas pour longtemps
(fin 1^e réplique).
Elle est fâchée et s’emporte sur
la gouvernante (2^e réplique).
Elle cède à l’amour mais sent
que c’est mal maladie,
poison (3^e réplique).
Elle prophétise Rodrigue et
gonfle ses sentiments, elle s’imagine pouvoir l’aimer.
Elle s’écroule épuisée et se
rend compte qu’elle s’est laissée allée. Elle se calme mais ses sentiments
ne changent pas.

Scène 6

Scène politique : Don Sanche propose une
ordalie (un duel) avec Rodrigue mai le roi refuse. Louis XIII a interdit
les duels pour raison d’honneur.

Scène 7

Scène de transition : annonce la mort du
comte, ce qui est un coup dur pour l’armée car il en est le commandant en
chef et l’ennemi (maure) est aux portes du royaume.

Scène 8

Recoupement de la vie de
Corneille car il aime plaider et il fait plaider les personnages.

1.
Arguments de Chimène pour faire arrêter Rodrigue ?

Description sanguinolente de son
père mort pour impressionner le roi.
Elle vante son père pour montrer
au roi qu’il a beaucoup perdu en la mort du comte (armée).
Le meurtre a été commis dans la
cour (terrain neutre).
Elle s’effondre pour paraître
éplorée et orpheline aux yeux du roi (" ton roi te veut servir
de père ") mais aussi vengeresse. (En histoire, une veuve ou une
orpheline doit se mettre sous la tutelle du suzerain du mort pour ne pas
perdre son fief qui pourrai être confisqué par un voisin)
Le roi ne comprenant pas
l’esprit vengeur elle s’y remet de plus belle (la plaie de son père
devient une bouche, …)
Elle menace le roi car son père
était important (guerre civile).

2. Arguments de Don
Diegue ?

· Il détruit tous les arguments de
Chimène.

· Le comte l’a privé de son honneur ce qui est égal à la mort pour les
chevaliers.

· Don Gormas s’en est pris au roi
en le frappant lui, Don Diegue. (décision du roi pour l’éducation de son fils)

· Don Diegue a été giflé dans la
cour (terrain neutre)

· Rodrigue peut prendre la tête de
l’armée pour défendre le royaume des Maures.

A la fin de la scène, le roi ne
prend pas de décision immédiate.

Acte III

Scène 1

Rodrigue va dans la maison du
comte pour voir Chimène. Il s’offre à Chimène pour qu’elle puisse sauver
son honneur mais il rencontre d’abord Elvire
et ils sont interrompus par l’arrivée de Chimène et Don Sanche.

Scène 2

Don Sanche offre ses services
(de chevalier) à Chimène en lui proposant qu’il rencontre Rodrigue mais
Chimène veut être seule avec Elvire pour pleurer et elle le fout dehors.

Scène 3

Rodrigue est caché dans la
maison et Elvire veut faire parler Chimène pour qu’elle dise qu’elle aime
Rodrigue afin qu’il s’en aille. Mais elle dit le contraire et Rodrigue
bondit hors de sa cachette.
V810-824 : réplique importante.

Scène 4

Scène la plus importante du Cid (elle est reprise dans
d’autres termes dans V, 1).
Rodrigue et Chimène ne sont plus
humains, ce sont des héros pleins de courage et de générosité.
La scène est choquante car on
s’attend à ce Rodrigue s’excuse, mais que neni.

1.
Que dit Rodrigue à Chimène ? (v869-904)

Il dit qu’il est fier de son
acte car Don Gormas avait insulté son père. S’il fallait le refaire, il
referait.
Il ne l’a pas tué seulement pour
son père, mais aussi pour elle afin qu’elle puisse l’aimer car il garde son honneur.
S’il est là, c’est pour s’offrir
à elle afin qu’elle reste digne de lui, qu’elle garde son honneur.

Rodrigue est
un vrai cavalier généreux.

2.
Que lui répond Chimène ? (v905-932)

On s’attend à ce qu’elle le
rejette mais elle le félicite.
Elle lui dit que puisque son amour (Rodrigue) pour elle ne l’a pas
arrêté, son amour (Chimène) pour lui ne
l’arrêtera pas non plus. Mais comme elle l’aime encore, elle ne peut le
tuer directement et se retranche derrière le pouvoir royal.

Scène 5

Scène de transition : elle permet à Rodrigue
de rejoindre son père qui s’inquiète pour lui car il est recherché par la
police et les amis du comte.

Scène 6

L’auteur oppose 2 conceptions de
la vie

Vieille noblesse
militaire (honneur) >< Cavalier généreux (honneur et amour)

Rodrigue se fâche sur son père
qui veut lui faire oublier Chimène.
Le 17^e siècle est le siècle des salons
mondains (discussions sur l’amour)
Don Diegue envoie son fils au
combat (invasion Maure) car Rodrigue veut mourir et là il pourra mourir
dignement, avec honneur.
Bien que son père lui conseille de revenir pour ainsi conquérir Chimène
plus facilement.

Acte IV

Scène 1

Après le combat (non mis en
scène à cause des règles de l’Académie) Chimène apprend la victoire de
Rodrigue mais elle ne sait pas s’il est vivant. Elle est aussi inquiète
car elle craint de ne plus être venger puisque Rodrigue est devenu un
héros.

Scène 2

L’infante vient trouver Chimène,
non pas pour la consoler mais pour lui demander d’abandonner ses
poursuites contre Rodrigue. Elle lui dit que si elle veut le punir, elle
ferait mieux de lui retirer son amour (ainsi l’infante peut prendre sa
place). Mais rien ne pourra séparer Rodrigue et Chimène.

Fin (résumé car fin de l'année)

Rodrigue est
invité par le roi pour lui faire le récit de sa victoire mais il est interrompu
par Chimène qui arrive en demandant sa tête. Don Diegue lui fait alors croire
que Rodrigue est mort et elle s’évanouit, ce qui prouve qu’elle l’aime
toujours. Suite à ça, Chimène veut organiser un duel entre Rodrigue et Don
Sanche. Rodrigue ne le tue pas et lui demande de se présenter Chimène. Le roi
ordonne alors à Rodrigue et Chimène de se marier.

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